autores: locuras y manías.

En la historia del Arte, como rama creativa del ser humano, son incontables las leyendas, rumores y anécdotas de los artistas en su proceso de creación. En el mundo literario no iba a ser diferente. Los escritores y escritoras de gran nivel, tienen sus particularidades, y es por eso que los hace especiales y únicos, traspasando fronteras con sus escritos. Aquí damos algunos ejemplos de autores/as, que tuvieron una vida complicada y algunas de sus locuras y manías.

George R.R. Martin, ( 1948- ), escritor y guionista estadounidense de literatura fantástica, ciencia ficción y terror. Es conocido especialmente por ser el autor de la serie de novelas Canción de hielo y fuego, adaptadas a la televisión como Juego de Tronos, también es conocido por su obra Los viaje de Tuf (1980). George se toma su tiempo para escribir y suele usar un editor de texto muy curioso, el WordStar 4.0 para MS-DOS, con ordenador que data de los años 80. Escribe sin diccionario predictivo y sin conexión a internet, así ningún hacker puede robarle sus obras.

Para no tener internet, bien que tarda George en terminar sus libros.

Virginia Wolf(1882-1941) escritora británica, autora de novelas, cuentos, obras teatrales . Es considerada una de las más destacadas figuras del vanguardista modernismo anglosajón del siglo XX y del feminismo. Entre actos, Las olas, Tres guineas o Noche y día, son algunas de sus obras importantes a destacar.

Los problemas familiares que tuvo, la muerte de su padre de cáncer y los abusos sexuales por parte de sus medio hermanos mayores (ella mismo lo reconoció en unos escritos) la llevó a crisis nerviosas y depresiones constantes. Wolf padecía biopolaridad. Como dato curioso, escribía de pie en un atril. Durante un verano creyó que los pájaros piaban en griego y que Enrique VIII le estaba gritando improperios desde detrás de los arbustos; con 22 años intentó suicidarse tirándose por una ventana, pero la altura era tan pequeña que no se hizo daño. En 1941 se metió piedras en la ropa y se ahogó en un río.

Ernest Hemingway (1899-1961), escritor y novelista estadounidense, también escribía de pie.

William S. Burroughs (1914- 1997), uno de los apóstoles de la contracultura de los años 60 y figura destacada de la Generación Beat. Además de escribir cosas indescifrables u ofensivas hasta la médula, en una ocasión pretendió emular a Guillermo Tell, disparándole a una manzana situada sobre la cabeza de su esposa Joan. Era 1951 y Joan murió con un agujero entre los ojos. En su defensa hay que decir que iba muy borracho y drogado. Burroughs también tenía una obsesión malsana con el número 23.

Sus obras destacables son Yonqui o El almuerzo desnudo .

Mary Shelley(1797- 1851), la autora de Frankenstein, sufría frecuentes ataques de melancolía, alucinaciones y sueños letárgicos. En julio de 1822, Percy Shelley, su marido, murió ahogado en el mar, tras un viaje en velero, dejando a Mary, de apenas 24 años, con su único hijo sobreviviente, Percy Florance Shelley, a quien cuidó devotamente y de quien nunca se separó. Desde 1839, Shelley comenzó a sufrir dolores de cabeza y ataques de parálisis en distintas partes del cuerpo, que a menudo le impedían leer o escribir.

Otras obras destacadas de Mary Shelley fueron El último hombre (1826) Perkin Warbeck (1830) Lodore (1835) o Falkner (1837)

Aldous Huxley(1894 – 1963) A los 16 años, sufrió un ataque de queratitis punctata, una grave enfermedad en los ojos que produce opacidad en las córneas. Esto le provocó ceguera durante casi un año y medio, por lo que decidió aprender a leer y a tocar el piano con el sistema Braille. Fue un escritor con influencias psicodélicas. Si bien es cierto que experimentó con diversas drogas como la mescalina, el LSD y la psilocibina, Le gustaba el misticismo, viajar y las culturas. se interesó por la espiritualidad y la filosofía hindú.

Obras a destacar, Un mundo feliz, La isla, Contrapunto, Las puertas de la percepción.

Hans Christian Andersen(1805 – 1875) , escritor y poeta danés, ideó cuentos desde cero, basándose en las dificultades que él mismo enfrentó en su vida. El Patito Feo, por ejemplo, relata cómo se sobrepuso a la discriminación y al bullying del que era objeto por su origen humilde. Era disléxico y tenía mala ortografía, por lo que sus editores tenían que corregir sus textos. Sin embargo, fue gracias a su lenguaje coloquial y poco académico que sus cuentos para niños son conocidos hasta nuestros días.

Cuentos a destacar de Andersen «El traje nuevo del emperador», «La reina de las nieves»( la película de Disney Frozen, se basa en este cuento), «Las zapatillas rojas», «El soldadito de plomo», «El ruiseñor», «La sirenita», «Pulgarcita», «La pequeña cerillera»

Edgar Alla Poe. (1809- 1849) renovador de la novela gótica, recordado especialmente por sus cuentos de terror. Considerado el inventor del relato detectivesco, contribuyó asimismo con varias obras al género emergente de la ciencia ficción.

Poe amaba a los gatos. Caterina, la gata que le hacía compañía, se deprimía cada vez que el viajaba y cuando él murió, ella también. Poe se casó con su prima Virginia Clemm, temiendo que ella lo abandonara. Sin embargo, la relación era más familiar que romántica, e incluso se dice que nunca llegaron a consumar el matrimonio. La chica tenía 13 años cuando esto sucedió y quizás la diferencia de edad explique la relación paternal. Tras la muerte de su esposa, en 1847, intentó cometer suicidio, pero no tuvo éxito (la foto de archivo es justo días más tarde del entierro de su esposa). El 3 de octubre de 1849, Poe fue hallado en las calles de Baltimore en estado de delirio, fue atentido por un amigo y días más tarde falleció. Las causas de su muerte no están definidas, desde tuberculosis, alcoholismo, cólera, drogas o fallo cardíaco.

Su obra es extensa, pero hay que destacar ; El gato negro, El pozo y el péndulo, Los crímenes de la calle Morgue, El retrato oval, El corazón delator, La narración de Arthur Gordon Pym, El cuervo, La carta robada, El escarabajo de oro, La caída de la Casa Usher, entre otros muchos.

El escritor japonés Haruki Murakami (1949- ) tiene una rutina que no interrumpe por absolutamente nada en el mundo: se despierta a las 4 de la mañana, antes de que salga el sol, y escribe sin parar durante seis horas seguidas. Luego, después de comer algo, sale a trotar o a nadar y regresa a su casa para leer. Algunas de sus obras más importantes son: Tokio Blues o Kafka en la orilla.

Crítica de 'Hombres sin mujeres': Murakami y los botones mal abrochados |  Babelia | EL PAÍS

Emily Dickinson (1830 – 1886) famosa poeta norteamerican, pasó los últimos 15 años de su vida encerrada en su casa. No era nada sociable. Nunca se casó, nunca tuvo hijos y ni siquiera le gustaba ver a sus amigos en persona. Los historiadores no saben a ciencia cierta la razón de su aislamiento. Algunos creen que era porque le daba independencia a la hora de escribir; mientras que otros sostienen que era porque ella sufría de ansiedad y/o depresión al igual que su madre.

Escaramuza - Un desierto de arena rosa: Emily Dickinson

Algunos poemas suyos en formato pdf. POEMARIO.

cómo escribir una historia de terror en 7 pasos.

El cine tiene sus normas, ya sean técnicas o visuales, y cada género también cumple una serie de expectativas que busca el espectador. Pero no todo siempre hay que seguirlo al pie de la letra. Hay autores que se desmarcan de la norma establecida y crean sus propios subgéneros dentro del cine de terror, en el caso que tratamos en este artículo. Ya sea usando nuevas técnicas visuales, de marketing, de narración o historias impactantes, el género de terror, “cumple” una serie de pasos que analizaré a continuación:

1. Personajes.

Son lo más importante de la historia. Con unos personajes creíbles, todo funciona mejor. El público debe identificarse de alguna forma con los personajes representados en pantalla. Ya sea por buenos o por malos. Deben amarlos y sufrir con ellos, u odiarlos en el caso de los antagonistas. Crear varios matices en un mismo personaje es la clave.

Ver arcos de transformación de personajes de una historia.

2. El miedo.

A no ser que sea un guion de encargo (la productora contrata a un/a guionista para hacer un tipo de historia específico), si eres el creador, lo mejor es escribir sobre lo que te da miedo. Usa tus propios pensamientos y terrores para crear escenas. Recrea en tu mente esas experiencias de pánico y plásmalo en los personajes y tramas. Cuanto más sugestionado y comprometido estés con la historia, mejor escribirás.

3. Sorpende.

En el género de la ficción, casi todas las historias se rigen por la lógica. Crear una trama o escena donde va en contra del mundo natural, en muchas ocasiones hace que el espectador desconecte de la historia. En ciencia ficción el hilo es muy fino, depende mucho del nivel de ficción y el subgénero. En el terror no es así, no hace falta explicar todo. El miedo es algo natural en todos, pero tiene mucho de ilógico y mágico. ( Si no, no se comprendería el miedo a los payasos, muñecos o incluso a los números). Aprovecha eso.

Si escribes terror usa tu imaginación y rompe las reglas lógicas, pero manteniendo la coherencia de la historia.

4. Humor.

La risa es un mecanismo de defensa del cerebro. Se utiliza para protegerse contra la ansiedad cuando esta es abrumadora. Reírnos ante una situación de riesgo es solo una negación del miedo. Es decir, queremos convencernos a nosotros mismos y a quienes nos rodean de que todo estará bien y que no hay nada que temer. Añadir también, que la risa a menudo disminuye el sufrimiento asociado con un evento traumático, como por ejemplo lo que estamos viendo en pantalla.

Escribir momentos de humor dentro de un guion de terror es algo FUNDAMENTAL. Pero ojo, hay que saber mantener el tono y nunca sobrepasar esa línea. Los momentos de distensión de comedia deben ser breves. Esos segundos de relax, resetean el miedo y prepara de nuevo al espectador para otra subida de tensión más adelante.

5. El ritmo.

Todo guion debe mantener un ritmo narrativo. Dentro del género de acción, es el más visible. No se puede poner una escena tras otra de persecuciones. Pues en el terror es igual.

Cada 10 páginas debe haber una confrontación. El terror debe asomar de alguna forma, ya sea sutil o directo. El espectador no debe olvidar qué tipo de película está viendo. Recuerda que no es una norma obligatoria, pero un guion debe ser una montaña rusa de emociones para que sea entretenida.

6. Escapatoria.

El género de terror se puede resumir en esto: Un personaje protagonista es atacado por un mal sobrenatural. Pues siguiendo esta premisa, debes escribir formas coherentes donde nuestro protagonista pueda conseguir huir. El mal es quien actúa con formas ilógicas y sobrenaturales, pero nuestros protagonistas (dentro de un mundo real) deben actuar de forma LÓGICA. El espectador pensará igual.

En estos momentos de climax donde el personaje debe huir o escapar de situaciones mortales, la ACCIÓN debe ser coherente y compatible, en base a las características del personaje creado.

SAGA SAW. EMPEZÓ EN 2004 Y YA LLEVAN 8 PELÍCULAS.

7. Duración.

Otra norma no escrita en el género del terror es la duración del metraje. No suelen sobrepasar los 100 minutos. Lo que es lo mismo, escribe entre unas 90 y 100 páginas. En el caso que la historia lo requiera, o los personajes/ antagonistas sean muy profundos y deban ser bien explicados, lo ideal es no traspasar esos límites.

En historias muy densas, el metraje si es extendido. Como ejemplos:

IT 2 (2h50′) . El resplandor (2h26′). Doctor Sueño (2h30′) . La semilla del diablo (2h17′). The Conjurin 2 (2h14′) . El extraño (2h36′)

Te dejo un enlace si deseas leer más acerca del género del terror.

Análisis cinematográfico de: Nocturnal animals.

Nocturnal Animals es un film basado en la novela del escritor Austin Wright , originalmente se llama Tony & Susan,  llevada a la pantalla por el diseñador y director Tom Ford. Está catalogado como un drama con la esencia del mejor thriller policíaco o de suspense.

Ficha técnica:

Título original: Nocturnal Animals  /  Año:  2016   /  Duración : 115 min. Música: Abel Korzeniowski  /  Fotografía: Seamus McGarvey / Reparto: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson

SINOPSIS:

Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida llena de lujos, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un día Susan recibe una novela escrita por su ex marido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Susan, comienza a leer la historia, donde narra la vida de un matrimonio con una hija que conduciendo por Texas una noche son perseguidos por otro vehículo.

Dentro del análisis de la película comentaremos varias categorías: Temática, Diseño de personajes y su transformación, Estética visual y paleta de colores, Montaje paralelo e información al espectador.

◊ Aviso: este análisis contiene spoliers

Temática:

Como bien marca el género de drama o thriller psicológico o policíaco, Nocturnal Animals, se centra en las relaciones humanas. Temas tan complicados y abstractos como: la venganza, el deseo, la inspiración, la motivación, la superación personal, la aceptación y el remordimiento.

Son todos temas interesantes que hay que hilar muy fino para que en la balanza final de la película, queden bien equilibrados y no sobrepasen a las actuaciones de los personajes. Cuando el tema es superior a las interpretaciones, se suele caer en cliché o sobre actuación del género, quedando un amargo sabor de parodia barata.

La venganza es clave en el film y la motivación principal por la cual el personaje de Jake Gyllenhaal (a partir de ahora lo llamamos Edward) quiere mostrar a su ex novia de una forma cruel cómo ha superado la ruptura entre ambos. Esa venganza se plantea desde el inicio de la trama, cuando Amy Adams (Susan) después de una exitosa inauguración de arte obsceno y decadente, recibe en casa un ejemplar escrito por Edward llamado Nocturnal Animals.

Durante la historia se van intercalando escenas temporales (veremos más tarde en el montaje) donde aparecen nuevos temas. El amor idílico que hay en la pareja se rompe cuando uno de los dos cambia su meta en la vida y lo que antes era “romántico” o “sensible” se convierte en “aburrido” y “sin motivaciones”. Susan, en un proceso frustrado de no haber cumplido su sueño de querer ser artista, ataca y arremete contra la vida de escritor de Edward. El deseo de ambos de seguir adelante en la pareja se ve frustrada por la poca aceptación de Susan de querer una vida así y decide romper la pareja huyendo.

En este punto del personaje de Susan, sí se echa de menos que se cuente algo más sobre ella y su defecto de querer huir siempre de los problemas y no querer afrontarlos. Falta una escena más visual que alimente esa sensación en el espectador.

La superación personal: es evidente que Tom Ford la narra a través de los ojos del personaje de la novela de Edward. Aquí la película hace una especie de mezcla de géneros, una especie de “Metacine – Literario” que deja al espectador clavado en el asiento. La historia del libro Nocturnal Animals es la superación del conflicto interno de Edward.

Diseño de personajes y transformación:

Como escritor, este punto es el más satisfactorio a la hora de crear escenas y diálogos, porque es cuando realmente nacen y se reproducen los personajes de la historia.

Tómate tu tiempo al escribir los diálogos. Piensa en cómo lo haría él/ella. ¿Respondería?¿Se mantendría callada?¿Abandona la escena?¿Hace un gesto específico? Todos estos detalles son importantes en cada escena y hacen crecer al personaje.

De forma cronológica temporal (no contaremos la visual en pantalla), Edward comienza como un soñador, sentimental, tímido e incluso frágil. Se enamora de Susan, o dice llevar enamorado de ella desde la escuela. Luego hay un salto temporal donde ya observamos los primeros conflictos en la pareja. Edward ya no está receptivo a las críticas, la presión de escritor frustrado y perdedor, amenaza con la vida en pareja.

Más adelante, Tom Ford, nos muestra un Edward en un proceso de duelo y separación donde con la ayuda del personaje del policía (Michael Shannon) busca impartir justicia y enfrentarse a los culpables del declive de su vida tanto personal como sentimental.

Al final del film nos muestra una transformación completa de Edward. Se ha convertido en un vengativo ex novio que mediante el juego psicológico y la manipulación, siempre mostrando sus sentimientos a través de un personaje ficticio como en su novela Nocturnal Animals, hace renacer la llama de la pasión en su ex novia Susan, para luego dejarla plantada.

El personaje de Susan también evoluciona. De ser una soñadora como Edward, se introduce en un mundo materialista y vacío en busca del reconocimiento social. Ese “precio” le cuesta romper con Edward y además crear un conflicto superior abortando un hijo que espera de él. El tema del aborto Tom Ford lo aborda de una forma magistral y sin caer en elementos fáciles, mediante una metáfora dentro de la narración literaria.

El remordimiento de Susan se visualiza durante toda la trama y a cada capítulo que lee de la novela de Edward, le afecta de forma significativa. Ella huye de todas las formas posibles de esas líneas de diálogo tan duras que suelta Laura Linney (su madre en la pantalla) y que al final se da cuenta que tenía razón.

Estética visual:

Aquí Tom Ford saca todo el arsenal pesado y se nota su toque de diseñador tanto en escenarios como en vestuario. Con dos mundo bien divididos visualmente (el flashback y el presente) Ford los aborda de forma elegante.

Durante las escenas de flashback en el secuestro y desierto, predominan los colores tierra, ROJOS, AMARILLOS y suciedad. Es evidente que representa el tedioso y amargo camino que debe recorrer Edward para reconciliarse con su pasado y superar una dura ruptura sentimental. El abandono en la oscuridad del desierto pasa a un amanecer solitario en una carretera perdida.

Conforme avanza la trama del desierto, el personaje de Edward se topa con el policía (interpretado por Michael Shannon), en la búsqueda del asesino de su mujer e hija y decide tomarse la justicia por su cuenta. Es aquí donde cambia dentro del mismo bloque de narración la paleta y pasa a colores ROJOS, VERDES, más intensos y acordes con la Venganza.

El comienzo del mundo de Susan es frío, gris y distante. Una casa solitaria donde parece ser que no hay nada que le de calor. Ya avanzada la lectura del manuscrito de Edward, el mundo de Susan cambia y se ve rodeada de colores más cálidos, vuelven a predominar los rojos y marrones. Es un adelanto de que ambos mundos van a colisionar en algún momento.

El diseño de vestuario es exquisito donde Susan sale reforzada dando una categoría especial a su personaje. Edward es más tosco en su versión del desierto, camisas de cuadros y vaqueros, hasta que casi consigue redimirse con una impoluta camisa blanca abotonada.

Destacar el uso del color VERDE como detonante y clímax de un evento. En la discusión en la calle cuando la pareja se rompe, se ve en pantalla el coche verde mezclado con tonos rojizos (excelente mezcla a nivel de fotografía) y en la escena final donde Susan se prepara frente al espejo para recibir a Edward en la cita en el restaurante. El color VERDE como símbolo de poder recuperar lo perdido.

Montaje fílmico:

Como en un juego del gato y el ratón , Tom Ford corta la información y la reparte en pequeñas dosis. Juega con el tiempo, como pueden hacer muchas películas, pero el uso del montaje fraccionado es más que un truco para despistar al espectador y mantenerlo atento a la historia. El montaje INFLUYE en los personajes.

Presenciamos el arco de transformación de Susan y sus sentimientos cada vez que se regresa de un corte del flashback al tiempo presente. El espectador es un lector más del manuscrito de Edward y en parte de la narrativa nos hace odiar o tener lástima por el estado de Susan.

En resumen, Nocturnal Animals, no es sólo un film de estética visual y que va más allá de un mero final abierto a debate, es un puzle perfectamente engranado donde nada sobra y cada plano está estudiado al milímetro. Es una película de personajes pero también es un ejemplo de cómo todo un equipo técnico y artístico elevan una obra audiovisual a ser una obra maestra del cine.

Si deseas ver otro análisis fílmico, puedes leer SEVEN de David Fincher.

Cómo presentar tu personaje en cine

El  siguiente artículo se centra en cómo presentar tu protagonista (masculino o femenino) de la forma más original e impactante. No solo trataremos el modo de presentar el personaje físicamente, sino también la forma en la que presentamos su nombre saliendo de lo aburrido y clásico.

PRESENTACIÓN FÍSICA.

A veces durante la escritura del guion no nos percatamos de la importancia de este detalle. Hay guiones en los que la descripción física del personaje es sencilla, se limita a solo describir la ropa, edad y poco más. Es en las ACCIONES y DIÁLOGOS donde se desarrolla todo el potencial del personaje.

Si podemos unir varios elementos de la escritura elaboraremos una magnífica e impactante presentación de personaje. Responde estas preguntas antes de escribir la escena de apertura. ¿Qué diferencia a mi personaje del resto de los demás? ¿Tiene alguna característica física, del habla o de vestuario que destaque? ¿Es su nombre importante para la historia? ¿Qué relación tiene con el escenario?

Parecen preguntas obvias pero con los ejemplos veremos la construcción de escenas y personajes inolvidables en el mundo del cine.

Personaje: Trinity  / Película : Matrix (1999) Hermanas Wachowski

Se presenta el personaje de forma sencilla, vestimenta de negro, sin diálogo y no sabemos su nombre. No sabemos dónde está ni que es lo que hace con ese ordenador. Unos policías la están buscando. Comienza la acción y se nos presenta una de las cualidades de Trinity ( su asombrosa agilidad y capacidad de lucha ) Está claro que el inicio de Matrix y las bases de la historia harán un cambio en el mundo del cine y de la forma de narrar la ciencia ficción.

TRINITY HACIENDO DE LAS SUYAS. SALTO MORTAL Y PATADA VOLADORA

Link vídeo aquí. La presentación sobre el min 1:40

Personaje: Darth Vader / Película: Star Wars IV-  A new hope (1977) George Lucas

Uno de los más icónicos villanos del cine. No se ve el rostro y no sabemos su origen. Lo importante en su presentación es la parte visual.  Destaca por su vestuario; completamente de negro, su máscara y su particular tono de voz metálico. Esa es parte de su identidad como personaje. Su aparición en un escenario totalmente blanco impoluto y él de negro riguroso no es casual. Se muestra también su gran envergadura y fuerza como símbolo de poder y peligro.

VADER ENTRANDO AL SON DE LA MARCHA IMPERIAL… INOLVIDABLE GRACIAS A JOHN WILLIAMS.

Link vídeo aquí

Personaje: Indiana Jones / Película : En busca del arca perdida (1981) Steven Spielberg

Este ejemplo es bastante curioso. Para empezar hay que decir que en el título NO aparece el nombre de Indiana Jones como muchos piensan. El personaje de Harrison Ford, el arqueólogo y profesor se nos presenta hasta bien entrada la introducción. Hay que destacar varias cosas de su escena:

No sabemos su nombre (luego se conocería la película a relación al nombre)

Se presenta de espaldas y sin diálogos.  Solo apreciamos su silueta rodeada de misterio.

Cuando se presenta se hace con otra CUALIDAD del personaje. Su agudeza, el estar siempre previsto al peligro y su LÁTIGO. Destacar que se presenta antes su herramienta de trabajo. Luego aparece a la luz con su ya mítica indumentaria de explorador y su sombrero. Este VESTUARIO marcará un antes y después en el cine de aventuras.

Otra parte curiosa es que el personaje se vuelve a presentar en otra faceta suya como profesor de universidad con una actitud y vestuario diferente. Es importante mostrar las dos caras de un personaje.

PROFESOR ENTRE SEMANA…
….AVENTURERO LOS FINDES

Link video aquí.

PRESENTACIÓN DE NOMBRES.

Ya has elegido el nombre perfecto para tu protagonista y quieres desvelarlo de la forma más efectiva. A continuación te damos algunos ejemplos prácticos y originales de hacerlo.

Con decir el nombre basta. Sí, pero no de cualquier forma. Recuerda debe ser siempre PARTE DEL PERSONAJE. Imposible no acordarse del recién fallecido este 2020, SEAN CONNERY, interpretando a James Bond. Se presenta su forma de jugar a las cartas, sus manos, su cigarillo y cuando dice su nombre…se queda grabado a fuego. Link vídeo aquí.

MY NAME IS BOND… JAMES BOND

Presentación de Batman en la película original de Tim Burton (1989) . Link vídeo aquí.

Que otro personaje presente el nombre. Esto le da un aurea de misterio y poder a tu personaje tanto si es el protagonista como el antagonista (funciona mejor en el segundo caso). Tarantino es especialista en saber presentar a sus personajes dotándoles de sus cualidad y motes. Inolvidable el Oso Judío de Malditos Bastardos. Link vídeo aquí.

Presentación mediante utilería. Chapas identificativas, tazas, carteles, tarjetas. Funciona de forma efectiva, además de mostrar el nombre del personaje da una idea de su trabajo, posición social y económica. El Halcón Maltés (1941) es un ejemplo claro. Link Vídeo aquí.

DEL MATERIAL CON EL QUE ESTÁN FORJADOS LOS SUEÑOS

Presentación con rótulos o voz en off. La voz en off narrativa es característica del cine negro y sirve para presentar al protagonista y resto de personajes de la historia.

Los hermanos Coen lo hicieron en Big Lebowski. . Link vídeo aquí .

En el cine de acción o comedia se utiliza a veces presentado sin reparos el nombre junto con alguna cualidad del personaje. Guy Ritchie lo hace a menudo en sus films y Danny Boyle en Transpoitting al estilo de videoclip .

Snatch de Guy Ritchie hace las presentaciones en los títulos de créditos iniciales. Link vídeo aquí.

Con todas estos ejemplos tienes material suficiente para empezar a crear las escenas necesarias para presentar al protagonista de tu guion.

Diferentes formas de publicar tu libro

En la Parte Porcentajes de Beneficios, vimos un desglose en % de lo que supone publicar una obra literaria. El autor es el elemento que menos beneficios obtiene a pesar de ser quien pone todo el talento. Eso siempre que se publique de forma tradicional, pero hay casos en los que el autor puede obtener un mayor rango de beneficios a cambio de otros inconvenientes.

En este artículo veremos las diferentes formas de publicación.

PUBLICACIÓN EDITORIAL CLÁSICA.

Es la que todos conocen. Una editorial se interesa por tu novela y a cambio le cedes los derechos de explotación. Es la forma de entrar por la puerta grande en lo que a la escritura se refiere. Una empresa apuesta por tu obra y trabajará para sacarla adelante y darle toda la repercusión que cree conveniente.

Pros:

El autor no invierte dinero, es la editorial encargada de maquetación, corrección, publicidad y distribución.

Pueden poner tu libro en primera fila en los centros de distribución y grandes almacenes. La inversión es alta, por lo que tu material literario debe ser de gran calidad. ¡Great News!

Contras:

Los beneficios son escasos, entre un 7 y 10% es lo normal. Si tu libro se vende bien a una tirada de 1000 ejemplares al mes, obtendrías unos beneficios de 1000€. No es nada del otro mundo, un sueldo básico, pero puedes decir que VIVES DE ESCRIBIR, y esto lo hacen muy pocos en España.

La Editorial se encarga de la portada y el contenido. Quizás quiera hacer cambios de tu historia para adaptarse a su línea editorial o su público potencial. En ese caso poco podrás hacer ya que tienen los derechos de la obra (por x tiempo).

También es probable que les cedas los derechos por ventas complementarias: adaptación a cine, series, juegos de mesa, merchandising. No todos los autores querrán eso, pero te aportará algo más de beneficios sin duda.

En el caso que ya seas un superventas es cuando las Editoriales te pagan en forma de adelanto para que escribas la siguiente novela. Si estás en ese nivel, eres la Élite.

COEDICIÓN

En este caso suelen ser la editoriales quienes se ponen en contacto con los autores/as. “Los agentes literarios” rebuscan en foros, redes sociales y perfiles a escritores con ganas de publicar su obra. Es en este punto donde hay que ir con pies de plomo, porque en este mundo literario, hay muchas editoriales estafadoras.

Antes de firmar nada e incluso de mandar un manuscrito, investiga al agente literario y la editorial para la cual trabaja. Ver sus perfiles en redes y web, y con simples búsquedas en Google puedes saber si sus clientes escritores están satisfechos con los resultados. Muchos agentes literarios doran la píldora a los autores diciéndoles que su obra se venderá bien, que es magnífica, pero nunca se la han leído. Solo quieren que firmes para ellos llevarse la comisión de venta.

Una vez superada la etapa de investigación y huyendo de editoriales estafas, si encuentras una empresa seria, pasará lo siguiente: El autor y la editorial comparten los costos de publicación del libro. La editorial tras haber recibido el pago, y la firma del contrato donde probabemente te vincule por el tiempo de 1 año o número de ejemplares de venta, prepara el libro para su publicación y lo distribuye.

Pros:

La editorial se hace cargo de la maquetación y distribución (en parte el autor ha pagado por ello).

Obtienes un ISBN para distribuir en librerías.

Puedes tener beneficios más altos en las ventas y es común que la editorial regale un número de ejemplares al autor para su venta, quédandose éste con los beneficios íntegros de la venta.

Contras:

Hay que hacer una inversión inicial de coste elevado. Entre 900 y 1.500 € seguramente.

Obtener beneficios es muy poco probable. Con saldar los gastos date por satisfecho.

En muchas ocasiones es el mismo autor quien tiene que promocionar su libro, organizar eventos, patearse las librerías y tiendas y prganizar sus viajes. Con el tiempo perderás dinero y ánimo.

AUTOPUBLICACIÓN.

Consiste en la publicación de un libro o cualquier otro contenido por su autor sin la intervención de un EDITOR. Es el autor es responsable de todos los aspectos del proceso, que en el caso de un libro incluyen el diseño de portada, formato, precio, distribución y comunicación de la obra. Quitando intermediarios siempre ahorraremos gastos en la publicación.

Eliminar intermediarios supone que el Autor es quien se debe encargar de todo. En este método hay una delgada línea entre volverse loco y perder mucho tiempo y salud, o saber delegar algunas funciones. Ser tu propia empresa significa dedicarle mucho tiempo. ¿Lo tienes?

Este fenómeno se ha visto favorecido por las plataformas digitales que conectan al autor con los recursos para la edición y que sirven de soporte para la publicación digital o la impresión bajo demanda. Algunas de estas plataformas son auténticas librerías digitales que proporcionan a los autores los mecanismos para la edición, la venta y la promoción. En el caso de Amazon, tiene un editor de portadas básico y maquetación. Las promos y publicidad corren a cargo del autor.

Autopublicando el reparto de beneficios es mayor, casi otorga un 70% al AUTOR, por eso la gran carga de trabajo que conlleva al propio escritor/a.

Sea cual sea tu método de publicación, haber terminado un libro ya es todo un éxito. ¡Enhorabuena!

porcentajes en el mundo literario.

Como bien vimos en la Parte de Registro de una obra, nos centraremos en el ejemplo literario de la PUBLICACIÓN de una novela, cómic, fotografía etc… Un guion de cine o serie está exento de esto. En este artículo aprenderás quiénes componen el mundo literario y sus funciones y las diferencias de publicar un libro.

Antes que nada hay que tener en cuenta cómo está montado el “panorama” literario y a qué nos enfrentamos. Conozcamos las diferentes partes que componen el proceso literario.

Fases en la producción de un libro

A grandes rasgos, en la edición de un libro impreso se presentan los siguientes procesos:

1. Fase creativa. El autor/a genera el contenido y presenta su obra a una editorial.

2. Fase de producción editorial. Es el editor quien evalúa la obra y si tiene la calidad suficiente para ser publicada. en este proceso hay más departamentos como traductor, corrector, diseñador y/o maquetador y un revisor.

3. Fase de impresión y la encuadernación.

4. Fase de almacenaje, distribución y la comercialización del producto; incluye la colocación en el punto de venta.

5. Fase de promoción de la obra en medios y redes sociales. Marketing.

En honor a la verdad hay que decir que según el sistema de publicación al que optemos, las ganancias hacia el escritor son diferentes. El sector editorial denomina X% del PVP a la porción del porcentaje que corresponde a cada persona que participa en el proceso de producción de la obra literaria.

Desglose de % en el proceso literario

Escritor/ Autora:

Al autor le corresponde un 10% del PVP del libro. Ese 10% que supuestamente gana el autor por cada unidad vendida hay que restarle un porcentaje interno del 1% que se desprende y va destinado al agente literario ( El agente literario es el profesional que se encarga de conectar el autor con la editorial) esta figura suele aparecer en la Co-edición y hay que tener mucha atención sobre su papel en todo el tinglado.

Si tu libro se vende en 10 €. El escritor se llevará alrededor de 1 € por UNIDAD VENDIDA.

El Editor.

Al editor le corresponde un 30% del PVP del libro. Con este 30% el editor debe cubrir los costes que suponen corregir la obra literaria, el diseño de la colección así como el diseño del libro y la cubierta o portada del libro. Marketing y promoción salen de ese porcentaje, así como la maquetación, impresión y las revisiones del contenido de la obra y la traducción en caso que se lleve a varios idiomas. Los costes de almacenamiento de los ejemplares no vendidos o devueltos por los distribuidores también están a cargo del editor.

La editorial es quien más se arriesga en el proceso, por eso su % es elevado y actualmente es difícil entrar en una línea editorial y publicación tradicional. El Editor se llevará 3€ por libro vendido.

Distribuidores y Puntos de venta.

A los distribuidores/puntos de venta les corresponde el 60% del PVP del libro. Las distribuidoras negocian con las editoriales el descuento del PVP del libro y los descuentos con los puntos de venta. Además el distribuidor es el encargado de conectar la editorial con los puntos de venta para llevar a cabo la venta de la obra.

Dentro de ese 60% los porcentajes se distribuyen así: Distribuidor 10-15% y punto de venta gran superficie 45-50%. En caso de que el punto de venta sea mediano o pequeño, el porcentaje que corresponde a cada una de las partes se equipara.

Distribuidor /Punto de venta se llevará 6€ del PVP inicial de 10€ de tu libro. Si aplicamos el %. El Distribuidor se lleva 1€ por unidad en el mejor de los casos y el Punto de venta 5€ por unidad. A esto hay que descontar el impuesto de venta(IVA o IGIC)

¿Son justos los porcentajes? Probablemente no. Un autor se puede pasar 3 años puliendo una novela, entre documentación, escritura, revisión y búsqueda de editoriales. Es un tiempo perdido y que pocas veces es recompensado al terminar todo el proceso. Una cosa está clara, si los que escribes es bueno, te dará beneficios.

Publicar un libro con una editorial de forma tradicional supone compartir el proceso de producción y venta con diferentes intermediarios, y por consiguiente, también se reparten los beneficios. Como en todo negocio o industria si se quiere reducir gastos, lo que hay que hacer es eliminar intermediarios. Por eso las diferentes formas de publicación que han aparecido con el auge de internet es una opción más que aceptable.

En Diferentes formas de publicar tu libro, te enseño las formas de reducir gastos y poder publicar tu obra de forma inmediata y segura.

VIDEO

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prepara tu calendario: Concursos para guionistas.

Como guionista es importante tener en mente un calendario de convocatorias de concursos y ayudas. Si nuestro objetivo es obtener un empujón en el proyecto, es fundamental organizarse. Crear un calendario para saber cuándo son los plazos a los que queremos presentar nuestro guion y si cumple los requisitos exigidos, es fundamental.

No hay nada mejor para empezar a escribir un guion que tener un deadline, eso siempre nos mantiene alertas, (estresados la mayor parte) y motivados para terminar el proyecto.

Cortometrajes

Festival de la Almunia

Se pueden presentar hasta 3 guiones por autor, con una extensión máxima de 20 páginas.

Los premios de las distintas categorías están entre los 200 y los 500 euros.

El festival se suele celebrar en mayo. Aquí tenéis el link del concurso.

Bodas de Isabel de Segura”

Abierto a cualquier persona. Se trata de partir de una escena de la obra Los amantes de Teruel, para desarrollar una escena de máximo 8 páginas.

También hay que incluir una sinopsis. El primer premio tiene una dotación económica de 500 euros.

El plazo suele acabar en diciembre. Aquí tenéis su web.

Quartmetratges

Para guionistas nacidos o residentes en la Comunidad Valenciana, en España.

Tiene premios que oscilan entre los 1.000 y 800 euros. El plazo suele estar abierto desde mayo hasta junio.

Universidad de La Laguna

Suele tener premio de 800 euros.

Está abierto a autores mayores de 18 años de cualquier nacionalidad y residencia. Los guiones estarán escritos en castellano, ser originales e inéditos. La temática es libre.

Su extensión no superará las 12 páginas . El plazo es entre abril y mayo.

Concurso iberoamericano de guiones Ibértigo

Dirigido a cualquier persona hispanohablante, y con dos premios: Mejor Guion (300€) y Mejor Guion canario (300€).

La extensión deber ser de máximo 10 páginas y el tema es libre, pero la historia debe desarrollarse en Canarias.

Puedes presentar hasta tres obras originales e inéditas, y por cada una de ellas hay que escribir también una sinopsis argumental de hasta una página.

El plazo suele abrirse en julio y acabar en septiembre.

Skyline Film Festival de Benidorm

Está abierto a todo guion de cortometraje escrito en español o en valenciano. La temática de los guiones es libre, de 20 páginas como máximo.

Cada autor/a podrá presentar el número de guiones que desee. En 2020, hubo una tasa de inscripción de 12€ por guion presentado.

El premio es de 400 euros, y el plazo suele acabar en febrero-marzo.

Ibiza Script Festival

De temática libre y puede pertenecer a cualquier género. Deben ser obras originales. Todos los guiones deberán estar escritos en español.

La extensión máxima es de 10 páginas, sin contar la portada y la página de la sinopsis, que tendrá una extensión máxima de 15 líneas.

​El premio consiste en una ayuda valorada en 1.000 € para la producción del cortometraje premiado.

SIEMPRE HAY QUE TENER PLAZOS Y PLANES ALTERNATIVOS CUANDO TRABAJEMOS EN UN GUION.

Largometraje

Premio SGAE de Guion Julio Alejandro

Está abierto a toda Latinoamérica. El único requisito para participar es ser socio de SGAE (y no haber sido premiado en convocatorias anteriores).

25.000 euros de premio. Y los dos finalistas, 3.500 euros cada uno.

Concurso de guiones para guionistas mexicanos

Otro concurso destinado a una comunidad concreta es el que organiza Escribe Cine A.C, de guiones tanto de cortometrajes como de largometrajes que se celebra entre agosto y septiembre.

Aquí tienes su página web,

Otras convocatorias de guiones de cine y televisión

No son concursos en sí, si no las llamadas convocatorias de desarrollo de guiones de largometraje.

Laboratorio de creación SGAE

DAMA Ayuda (series y películas).
Programa Ibermedia.

What is in the f**ing box? análisis de seven.

Antes de comenzar a leer, debes saber que puede haber spoilers de la película.

El director David Fincher (28/08/1962. Colorado, USA) es conocido por llevar a cabo proyectos interesantes con una narrativa sugerente. Su segundo film SEVEN, se consagró como un thriller que cambió el género.

Comenzó su carrera rodando videoclips (Madonna, Sting, Michael Jackson, Rolling Stones) hasta que en 1992 dio el salto a la gran pantalla con Alien 3, que dentro de la saga no está nada mal. En 1995 dirigió el guion escrito por Andrew Kevin Walker. Seven, es un thriller policíaco de dos detectives que intentan resolver una serie de crímenes a manos de un astuto asesino.

Ficha técnica:

Título: SEVEN      Duración: 127 min.

Dirección: David Fincher / Guion: Andrew Kevin Walker / Música: Howard Shore / Fotografía: Darius Khondji

Reparto: Brad Pitt (David Mills) , Morgan Freeman (Somerset) , Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey,

Género: Thriller. Intriga

El personaje de Morgan Freeman presentando el conflicto principal: “Habrá más asesinatos durante la semana.”

A continuación analizamos el guion de SEVEN, en tres de sus facetas. PERSONAJES . TRAMA/GUION. AMBIENTACIÓN.

1. PERSONAJES:

En este aspecto es donde menos se aleja del género del thriller. Como toda historia de búsqueda del asesino, siempre hay un detective o dos. Lo normal es hacer una yuxtaposición en la creación de ambos detectives para que choquen en ciertos momentos.

Consejo: En la creación de personajes es fundamental crear su dualismo (Debilidad y Habilidad). Esto será crucial a la hora del arco de transformación del personaje y de enfrentarse a los obstáculos.

Detective Somerset (Morgan Freeman) se presenta como una persona meticulosa, atento al detalle y paciente (HABILIDAD).  Su personaje está atado a una cuenta atrás debido a su próxima jubilación. (DEBILIDAD). Esto hará que su personaje se involucre mucho más en la historia y se convierta en algo personal.

Como bonus de este personaje se puede citar que su sentido de la justicia al final del film se puede convertir en un obstáculo para otro personaje convirtiéndose en una DEBILIDAD.

Detective Mills (Brad Pitt)  se presenta como vivaz, algo prepotente e impulsivo. Estos detalles junto con el personaje femenino de su mujer(Gwyneth Paltrow), serán sus DEBILIDADES. Su persistencia, su capacidad de aprender y de entrar en la acción, son sus HABILIDADES.

John Doe (Kevin Spacey) como antagonista de la historia no aparece en pantalla hasta 1h37′ de metraje. Algo impensable en un thriller cuando ya sería la resolución del clímax. Por esto, SEVEN es también novedoso. Conocemos el personaje de John Doe a través de sus crímenes. Es un hombre muy inteligente, perseverante y paciente son algunas de sus HABILIDADES, en cambio para terminar su proyecto personal debe  caer en sus propias DEBILIDADES, la envidia, soberbia y egocentrismo.

2. TRAMA / GUION:

Duración:

En esta faceta es donde Seven rompe los esquemas establecidos del género del thriller.  A nivel de guion se puede analizar su metraje, excesivo para el género, con una duración de 2 horas. David Fincher apuesta casi siempre por films de larga duración (ZODIAC, PERDIDA, LA RED SOCIAL, THE GAME, EL CLUB DE LA LUCHA) ninguna baja de las dos horas de metraje.

El thriller, como género de misterio e investigación, muchas veces se centra en escenas de acción y persecusiones, en este caso Fincher vuelve a ser diametralmente opuesto. Seven comienza con un ritmo lento y poco a poco se acelera. La justicia policial no se consigue a través de la fuerza ni la violencia, si no a través de la inteligencia y la anticipación. Muy alejado del género policíaco donde en los 70’s se vio influenciado por detectives, policías o justicieron callejeros, donde Clint Eastwood o Charles Bronson imponían su ley del ojo por ojo sin consecuencias.

Presentación:

El los 2 primeros minutos se presentan a los protagonistas, primero Somerset (en su casa) y a continuación Mills (en la escena del crimen). Ambos se presentan en un espacio cerrado, encorsetados a las leyes que los rigen y a su profesión. En cambio al final del film, los personajes están al aire libre representando la liberación que tendrán tras esa difícil elección en el clímax de cierre.

Destacar los títulos de crédito que representan abiertamente una presentación del antagonista y sus métodos de trabajo y tortura de las posibles víctimas. Fincher ya nos avisa que el antagonista no será fácil de atrapar. El detalle es que no se pone el nombre de Kevin Spacey en la apertura para intentar desvelar lo menos posible su papel en la trama.

Unidad temporal:

Este aspecto es muy efectivo en relación al espectador. Desde el inicio, mediante rótulos con días de la semana, se marca una cuenta atrás. La historia comienza un lunes haciendo referencia a la unidad temporal de 7 (SEVEN) y se une más tarde cuando el detective Somerset descubre la motivación del antagonista. Ejecutar los 7 pecados capitales. 7 víctimas. Todo está enlazado perfectamente para que el espectador vaya sumando en su mente y no se desvincule de la historia. Muy efectivo para remarcar la ansiedad que crece a cada escena hacia el giro final.

Tema:

¿Hay algo más universal que hablar sobre el ser humano?. Andrew Kevin Walker lo sabía cuando escribió Seven. El ser humano, hombres y mujeres, están bajo la lupa moral de un psicópata que se cree por encima del bien y del mal ejecutando su propia justicia. Incluso se podría considerar Seven un western urbano. Un antagonista libre de la ley que ajusticia a doquier, hasta que la ley asume el mando y pone el orden en la ciudad.

Los pecados capitales y su unión con la literatura universal (Comedia de Dante, La Iliada) se hila a la perfección sin resultar pedante ni aburrido. Tiene las dosis exactas de moralidad mediante magníficos diálogos (escena del coche) y el uso de las herramientas que caracterizan a los personajes.

Fórmula del género:

Fincher vuelve a agitar la coctelera y nos ofrece una montaña rusa de emociones. Lo básico en el género del thriller es:

 Aparece el conflicto ⇒ Protagonista se involucra ⇒ Investigación ⇒ Contratiempo / Encuentro con antagonista sin éxito ⇒ Resolución del conflicto por parte del PROTAGONISTA.

En cambio Seven cambia los roles:

 Aparece el conflicto ⇒ Protagonista se involucra ⇒ Investigación ⇒ El antagonista se ENTREGA ⇒ Resolución del conflicto en manos de ANTAGONISTA.

Otro detalle a tener en cuenta es el uso de la violencia en Seven. En muchos films del género, la violencia va incresendo, hasta llegar a un clímax final, donde casi siempre se resuelve con la astucia y habilidad del protagonista.

Fincher aquí se sale de la norma otra vez. El clímax final es sosegado, sin apenas violencia ( a excepción del arrebato de Mills acabando con la vida del antagonista). El cambio de roles es evidente y eso crea incertidumbre y confusión al espectador por lo que está a punto de presenciar.

3. AMBIENTACIÓN:

Los buenos escritores son aquellos que saben aprovechar cada elemento narrativo para crear una historia y plasmarlo en la pantalla. Cuando escribas un guion, ten en cuenta siempre la escenificación. El escenario donde transcurre la acción puede estar llena de elementos que sean claves para la historia.

Consejo: Usa cualquier elemento de ambiente para enriquecer el guion. Luz, sonidos, climatología, vestuario, props. Todo que sume en una dirección temática de la historia y sea un subtexto de los personajes.

La navaja del detective Somerset, usada con anterioridad como elemento distintivo del personaje, (la usaba como arma contra una diana para combatir el tedio y el insomnio) ahora es el último paso para abrir una caja impredecible. Como si de una caja de Pandora se tratara, Somerset la abre y descubre con horror lo que hay en su interior. David Fincher no lo muestra, otra genialidad del director, que deja a la imaginación del espectador volar, pensando en los mayores horrores posibles. Esa navaja ha sido el detonante para que el detective Mills salte definitivamente y John Doe por fin culmine su obra maestra, convirtiendo a un irascible Mills en su verdugo.

Escenario:

Ya en el guion, Andrew Walker lo tenía claro y Fincher supo darle ese cariz de importancia al escenario. La historia transcurre en una ciudad la cual no se nombra, puede ser cualquiera, puede pasar al lado de TU casa. Los personajes comienzan en un espacio cerrado (Interiores) y conforme avanza el guion se van liberando, hasta acabar en un exterior. En las afueras de la ciudad es el desenlace.

Fincher nos da a entender que incluso fuera de la ciudad y su ambiente de decandencia, el mal está con ellos en la presencia de John Doe. Cuando por fin están fuera del “escenario”, es cuando peor se plantean los dilemas. Aquí vuelvo a recalcar la escena del coche donde el prisionero Doe está siendo trasladado al punto de encuentro en el desierto. El uso de la reja que divide la parte delantera y trasera, además de ser lo habitual en un coche patrulla, es una forma muy sutil de diferenciar la moralidad de los personajes en la escena. El encuadre perfecto de Kevin Spacey, así como su boca que escapa a los pequeños agujeros de la reja, parece indicar que aunque esté encerrado(provisionalmente) sus palabras siguen teniendo efecto en los demás, como se ve en la resolución final con la caja. Simplemente BRILLANTE.

Climatología / Luz:

Al igual que el escenario, la historia comienza en una ciudad lluviosa. En la escena de persecución de Mills contra Doe, la lluvia es un velo que cubre al detective. Le desorienta sumando un enemigo que llena de confusión y misterio a la escena. Es un peso que poco a poco se va abriendo conforme van resolviendo los crímenes.

Durante la película se destaca muy bien el uso de los claros-oscuros, fotografía de Darius Khondji, en el que los crímenes se resuelven por pequeños detalles que deben tener en cuenta los detectives. Los personajes protagonistas en ocasiones deben iluminar una pared, una esquina o rebuscar concienzudamente para poder descubrir la siguiente pista. Todo da a entender que descubrir la verdad no será sencillo y no se trata de blanco o negro. Hay matices.

Al final, un escenario exterior y completamente iluminado. Este detalle aporta “luz” a la resolución del conflicto del film. Todo sale a la luz. Como segunda lectura, ese escenario a la luz del día, representa que el peor de los pecados capitales y el peor de los crímenes se puede dar en un ambiente completamente idílico como puedes ser una tarde soleada y una puesta de sol en el desierto.

Seven por muchas razones es una película perfecta en todos sus facetas, pero si hay algo que destacar es el uso de la tensión narrativa en la resolución del clímax, que hubiera firmado el mismísmo Hitchcock. Ha quedado para la historia del cine esa escena en el desierto, donde el detective Mills descubre la verdadera resolución de la trama y se enfrenta al peor de sus presagios. Doe gana la partida dejando la eterna pregunta abierta al público: What is in the f**ing box?

Para finalizar, les dejo un enlace donde pueden leer el guion de SEVEN completo y apreciar los detalles y cambios que hubo al llevarse a la gran pantalla.

registro de una obra Y DERECHOS DE AUTOR.

Este artículo es una continuación de Cómo escribir un libro con éxito, donde contábamos de forma sencilla cómo aproximarse al mundo de la escritura. Seas un autor/a novel o ya profesional, este post profundizará en el siguiente paso antes de publicar o dar a conocer tu obra; El registro y los derechos de autor.

No existe una obligatoriedad de registrar tu obra una vez terminada, la mera creación del documento en un soporte digital, un archivo, ya tiene autoría de fecha y hora, y eso sirve como prueba en la cronología de la creación de una obra, pero ojo, no de contenido. Una obra literaria, sea novela, guion, poesía etc… tiene una historia o contenido y eso mismo es lo que hay que especificar y salvaguardar de la copia.

Existen varios métodos de registro de propiedad intelectual.

  1. Registro de la propiedad intelectual, donde tienes una web en la que puedes registrar de forma presencial o digital tu obra. https://www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/propiedadintelectual/mc/rpi/inicio.html

La inscripción en el registro es voluntaria, por lo que la existencia de los derechos no depende de la inscripción. Los derechos de propiedad intelectual nacen con la creación de la obra y el Registro no tiene carácter constitutivo de los derechos de autor sobre la obra.

Previo al registro, el organismo oficial evalúa la obra para comprobar si cumple los requisitos para ser registrada. Te pueden rechazar el registro, en el caso positivo, podrás hacer el registro previo pago de las tasas, que están sobre unos 13 euros.

2. Correo certificado.

Imprime tu obra, la introduces en un sobre y te la auto envías. Debe ser mediante correo certificado. Este sistema tendrá la hora y el día del envío, lo que oficialmente al ser una entidad perteneciente al gobierno, servirá como prueba.

Una vez recibas el sobre. NO LO ABRAS. Debes mantenerlo cerrado y en caso que creas que han copiado tu obra, será el juez quien deberá abrir el sobre. Es como una prueba de larga duración.

3. Email.

No es lo más recomendable, pero para salir de un apuro vale. Copia el documento y envía un email a una dirección de confianza, puede ser una misma que hayas creado tú. Los datos del servidor con la hora y el día de envío servirán como prueba.

4. Notario.

De todas las opciones sin duda es de las más caras. El notario emite un documento que indica los datos del autor, la fecha y la hora de entrega de la obra. Probablemente sea algo más de 30 euros.

5. Safe Creative

Existen webs especializadas en el registro de obras y propiedad intelectual. Yo suelo usar esta misma. Tienes varias tarifas y planes, desde el más pequeño hasta el más profesional. Además tienes un espacio para guardar en la nube (la capacidad de Gb depende del plan contratado).

Un registro exprés está sobre los 15 euros (impuestos incluidos). Esto te otorga un registro de la propiedad y los derechos de autor, que además se puede especificar en el caso de que haya más de un autor/ar de la obra.

Consejo: Si realizas más de una obra al año es conveniente y rentable contratar un plan profesional. Por 59 euros al año, no tienes límite de registros y más espacio en la nube. Ideal si también tienes un blog y quieres registrar todas las entradas que escribas. De forma automática se puede sincronizar el blog con el registro de autor.

Citaré algunos ejemplos contrastados de plagio de derechos de autor en el mundo literario:

1. Jorge Bucay

Nacido en Buenos Aires, en 1949, es un médico, psicodramaturgo, terapeuta gestáltico y escritor. Tras publicar su libro “Shimriti” en 2003, Bucay fue acusado de plagio, diciéndose que éste contenía unas 60 páginas copiadas casi textualmente de la obra “La sabiduría recobrada” de la española Mónica Cavallé, publicada en 2002. Según el propio autor, el asunto sería un error involuntario, en el que se incluyeron textos de la autora española sin la correspondiente mención de su fuente. Bucay se disculpó y Mónica Cavallé no interpuso ninguna demanda

2. Lucía Etxebarría

Escritora española nacida en Valencia en 1966. Su novela Yo No Sufro Por Amor, publicada en 2005, era un plagio en muchas de sus estrofas y páginas de un artículo titulado Dependencia emocional y violencia doméstica, escrito y publicado en 2004 por el psicólogo Jorge Castelló. La escritora declaró que esperaba que esa polémica ayudara a que las ventas de sus novelas aumentaran . Finalmente el caso se solucionó mediante un pago de 3000 euros y el envío de un comunicado de la autora reconociendo la copia.

3. Ana Rosa Quintana

Con su libro titulado Sabor a hiel en el años 2000, Editorial Planeta retira la novela de Ana Rosa Quintana ante las contundentes pruebas de plagio. Al parecer Ana Rosa copió párrafos enteros de la obra “Mujeres de ojos grandes”, (Ángeles Mastretta), El Pájaro Canta Hasta Morir (Colleen MacCullough) y Álbum de Familia (Daniel Steele), cambiando nombres y lugares. Ana Rosa atribuyó que fue un error informático la coincidencia de textos. (JAJAJA)

Con el caso de Ana Rosa salió a la luz lo que todos sabían en el mundo literario, la figura de los “negros” o “Ghost writers” (escritores fantasma): personas que en la sombra escriben libros y luego son adjudicados a otros autores. Si no como creen que Belén Esteban publica libros.

Hasta aquí llega la Parte I sobre el registro de una obra literaria, ya sea libro o guion cinematográfico o serie. Lo importante es que antes de dar el siguiente paso, presentarlo a cualquier editorial o productora, debes registrar tu obra para mayor tranquilidad.

En Porcentajes en el mundo literario, podrás hacerte una idea de lo beneficios de una publicación literaria.

Si deseas ver el video blog para el programa de Radio Las Palmas que grabé, les dejo enlace. Suscríbete el canal de Youtube y a este blog para recibir las novedades.

LINK A VIDEO -> https://youtu.be/IxPYyqekJxw

Los diferentes géneros del cine: El terror.

Cómo hacer taquilla con el miedo.

Desde el inicio del Cine, una de las múltiples historias contadas han sido las del género de la fantasía y el terror. Atrapar al espectador mediante eventos que transmitieran un miedo que hace que, en ocasiones, quiera repetir tal extraña experiencia.

Vamos a partir de los orígenes de este género. En 1896, se estrenaba Le manoir du diable, un cortometraje de apenas cuatro minutos de duración, que está considerada como la primera película de terror de todos los tiempos, y que fue dirigido por Georges Méliès, uno de los padres del arte cinematográfico. Meliés fue un auténtico revolucionario en cuanto a la técnica del cine. Usó elementos y efectos no vistos hasta la época (ahora parecen ridículos) pero por aquel entonces hacía que la gente entrara en histeria y causaba auténtico pavor entre los espectadores.

Los directores de la época vieron el furor que causaban las novelas de terror y se subieron al carro para llevar a la gran pantalla dichas historias. Es aquí cuando una productora llamada Universal, fundada en 1912 por Carl Laemmle, Mark Dintenfass y Charles Baumann, entre otros, comenzaron creando films del oeste. Era la tendencia actual de la época, hasta que en 1920, y tras crear un estudio profesional con platós de rodaje, comenzaron a interesarse en la adaptación de historias de terror.

Así comenzaron las primeras producciones del género para el público en masa con producciones como El Conde Drácula, El Monstruo de Frankenstein, El Dr. Jekyll y Mr. Hyde, La Momia, El Hombre Lobo, El Monstruo de la Laguna Negra, El fantasma de la ópera o El Hombre Invisible. Estos films hicieron famoso al estudio, además de ser muy rentables económicamente. Pero todo ciclo tiene su fin y para mediados de los 40, con la II Guerra Mundial en ciernes, el género de terror pasó a un segundo plano. Ahora las historias eran de héroes, bélicas o comedia para suavizar y animar a los ciudadanos de aquellos días tan violentos.

Destacar que entre el top 20 de películas más taquilleras de la Universal Pictures está Tiburón (1975) dirigida por Steven Spielberg con la cual recaudó más de $470 millones. El género había resucitado a golpe de colmillos.

En las décadas siguientes el género se revitalizó gracias a un nombre: George Romero. Después de películas de Serie B, underground y terror semi-erótico de los 70, Romero irrumpió en el cine con un género nuevo: Los Zombies. Ya no hubo marcha atrás y a partir de Romero, aparecieron nuevos cineastas como: Tobe Hooper, Wes Craven, John Carpenter, Dario Argento.

El género de terror ocupaba las primeras posiciones en las taquillas con títulos como Halloween, La matanza de Texas, Tiburón, pero si hay que hacer un paréntesis en las películas del género de terror es para El Exorcista (1973) de William Friedkin.

Su estreno en la década de 1970 provocó una abrumadora aceptación por parte del público y también de la crítica, que terminaron considerándola como una de las mejores películas de la historia en su género. Además de su aceptación, la película obtuvo un total de diez nominaciones para los Premios Oscar, incluyendo Mejor Película. El guion, adaptado de la novela de Peter Blatty, es una joya a nivel dramático. Friedkin nos muestra una historia natural y familiar de una adolescente. Conforme avanza la trama, apreciamos los cambios en su comportamiento. El punto álgido y de no retorno para el espectador es cuando la madre desesperada por la ineficacia de los médicos que tratan a su hija, acude a un cura.

El gran acierto del director es el montaje y ritmo pausado en todo el film, novedoso para la época. No se muestra sangre ni escenas gores para impresionar, pero cuando El Exorcista aprieta el acelerador en el tramo final del guion es una montaña rusa de efectos, un guion perfecto con frases para la historia e interpretaciones brillantes. Nadie ha vuelto hacer una película del terror tan madura, sincera y de calidad como fue El Exorcista.

El género del cine: El terror
Un fotograma inolvidable que junto con una exquisita BSO hace del El Exorcista un film de culto del género del terror.

En los 90’s comenzaron los serial killer y por consecuencia, las escenas de tortura, persecución y el terror adolescente. Menos argumento, menos calidad interpretativa y más directo al terror. Estos films van al grano. Asustar, muchas de las veces mediante subidas de volumen de la pista de sonido, falsas apariciones (ver las típicas escenas de abrir puertas, neveras, espejos de baño y toques por la espalda) en detrimento de una buena construcción de personajes. Este género y fórmula sigue teniendo éxito entre el público que va al cine a “pasarlo mal” y las sagas como Scream, Freddy Krueger, Sé lo que hicisteis el último verano, así como resucitar viejas glorias como Halloween y Jason, llenan las salas.

En la década de los 2000 una nueva ola inundó las salas de cine. El terror asiático, Japón y Corea principalmente, crearon historias para no dormir. Verdaderos relatos de terror acorde a sus leyendas más oscuras. Su estética es reconocible al instante. Historias sobre la muerte, venganza, traumas personales y por último hasta algunas incursiones en las nuevas tecnologías y medios de comunicación.

Uso reducido de escenas muy sangrientas pero que compensan con elementos sobrenaturales y el uso indebido de la anatomía humana, solo hay que ver la de veces que hay mujeres arrastrándose, cuerpos encorvados o movimientos anti naturales. El uso del terror lento pero efectivo. El mal se toma su tiempo en llegar pero cuando lo hace es efectivo (ver la niña de The Ring).

Hollywood, que está atento a todos los nuevos movimientos artísticos, a golpe de remake se hizo un hueco en esa década exportando los taquillazos asiáticos. Algunas veces acertadas, otras no tanto. El toque del idioma y los rostros asiáticos siempre han sido la esencia del terror oriental.

Los géneros del cine: El terror

Entonces ¿Existe la fórmula perfecta para hacer un taquillazo de terror?

La respuesta no es tan sencilla. Hay films sencillos que funcionan muy bien y otros que se ve a la legua que son meras fórmulas de marketing para un solo “opening weekend” y que se olvidan sobre la marcha. Debe haber un conjunto de elementos.

La historia: fundamental. Hiper fundamental. Una buena historia coherente y sin fisuras.  No tiene por qué ser liosa. Cuantos menos personajes y más sencilla mejor. Comenzar como un thriller y dar pasos poco a poco hacia el género del terror. La visita, Oculus, Sinister, Get Out, Los otros, El orfanato.

Personajes: el pilar básico de toda historia. Que sea género de terror no significa que debas desaprovechar la oportunidad de crear un universo particular con buenos personajes. Un trasfondo social y dramático funcionan a la perfección antes que sustos efectistas. Usa lo aprendido en la construcción de personajes anteriormente y envuélvelo dentro de una historia de terror. Los sustos ya irán apareciendo conforme creas las escenas.  El Exorcista. IT. Insiduos.

Novedad: esto nunca se sabe al cien por cien, pero hay películas que están destinadas a triunfar por su fecha de estreno, ya sea por el tema, el momento histórico actual o uso técnico narrativo distinto a todo lo visto. Nadie pensó que El proyecto de la bruja de Blair fuera a ser una película de culto, pero sus creadores supieron montar muy bien una obra audiovisual (sin fisuras). Lo mejor fue su trabajo de marketing en redes sociales creando una leyenda urbana en torno a la cinta audiovisual. El uso desmedido de la cámara en mano, romper la cuarta pared y el survival horror fueron claves del éxito. ¡Y vaya si funcionó!

Paranormal Activity lo intentó casi una década después con la misma técnica (bajo un falso documental o historia familiar) y con Youtube de ayuda. Pan comido. Actualmente han deformado la idea creando casi una parodia de si mismos, una verdadera lástima.

Y si todavía no estás inspirado en cómo resolver ese conflicto en tu guion de terror, te aconsejo ver películas, muchas películas, pero también puedes leer esta entrada con muchos consejos. Cómo escribir una historia de terror en 7 pasos.

¿Te atreves?

Rubén del Pino López.

Islas de Papel y Tinta

Editorial de fantasía, ciencia ficción y terror

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Literatura, cultura y nuevas tecnologías

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